O último dos poetas de uma boemia esquecida

José Maria Nascimento chega aos 81 anos hoje (18.09) como o último remanescente maranhense de uma poesia forjada por décadas nos becos soturnos da boemia, sob o éter que encobre as ruas estreitas do Centro de São Luís. Poesia, como vida, de altos e baixos. Poesia como meio de vida, quando vida e poesia são quase uma coisa só, e se confundem. Mimetizam.

Autodidata, mal frequentou o ensino básico e logo cedo se jogou no mundo para começar a desaprender nos livros emprestados, nos puteiros e nos bares. Foi “desaprendendo as coisas”, como que ruminando involuntariamente as invenções de Manoel de Barros – e cada vez mais se agarrando no acaso das palavras - que ele virou poeta. Aos 17 anos, publicou os primeiros versos na imprensa. 

Para se sentir verdadeiramente um poeta, imaginava ele, precisava andar com poetas, conviver com a poesia no seu nascedouro, em estado bruto. Começou então a frequentar a roda de intelectuais no Bar do Castro. Foi beber na fonte. E se entregou, como um poeta maldito que se achava, aos primeiros tragos. Um dia, fora alertado por Erasmo Dias: – Sai desse meio, aqui só tem cachaceiro. Vai estudar! Mas era tarde. Ele já era o próprio meio. 

Aos 20 anos, José Maria Nascimento sofreu o golpe da morte do pai, João Pereira, um homem simples, vigia de matadouro, que ansiava um futuro menos dolente para o filho e a família. Construiu das sobras, e de alguma dor, a sua obra, que flutua entre o lirismo – o olhar onírico sobre a cidade que o pariu –, o berro social e a desesperança. É de 1960 o seu primeiro livro, Harmonia do conflito. 

Foram 15 livros publicados em 60 anos de poesia, alguns deles premiados em concursos literários da prefeitura de São Luís e do governo estadual. Ao longo de todo esse tempo de escritura há momentos de delicadeza e profundo desapego (‘Vai por mim que a vida é uma valsa’) e, como diz o próprio poeta, há dias de lírios jogados à sarjeta (‘... A vida ainda flameja e explode/ Por debaixo dos círculos da esperança).

Não foi uma caminhada fácil. O autodidata, obviamente, não tinha tanta intimidade assim com a língua portuguesa e, por inúmeras vezes, no início da jornada, recorreu a amigos como José Chagas e ao irmão Jorge Nascimento na revisão de seus poemas, nos apontamentos, nas boas dicas de leitura. 

Nos anos 1960, José Maria Nascimento foi viver a sua temporada hippie no Recife e de lá embrenhou-se pelas estradas do Nordeste. Andou sobre o tempo. Experimentou amores novos nas madrugadas, por muitas vezes ele impregnado na fumaça do relento. “Até que um dia acabou o dinheiro. E com isso acabou também o encanto dessa experiência hippie”, conta. 

De volta a São Luís, engatou uma jornada boêmia de longos anos com o seu companheiro de copo e de cruz, o poeta Nauro Machado. Juntos, eles foram a paraísos impuros, purgatórios e inferninhos nos quarteirões da cidade velha. Eram os andarilhos trôpegos da Praia Grande e Desterro: ‘Tenho inverno e verão em mim ocultos/ Iluminando os vales de outro mundo”. 

Foram anos de alcoolismo e desregramento que renderam a José Maria Nascimento, dentre outras chagas, uma tuberculose. O poeta viu a morte de perto. Mas persistiu – ‘O inferno e o céu estão presentes/ Na solidão do verso que me habita’. Só em 1992 tomou a decisão de parar de beber. Quando parou, foi chamado de traidor por Nauro. “A bebida só me trouxe prejuízo. Mas ainda ali, entorpecido, tentei fazer do sofrimento o lirismo para a minha poesia”, comenta. 

Há 25 anos José Maria Nascimento vem se dedicando à fotografia. Com os seus cabelos prateados, o olhar atento de poeta, passos firmes, sai por aí de câmera em punho a decifrar a alma da cidade. Da rua do Ribeirão, número 85, onde mora há 40 anos, ele compõe o seu destino, a sua história. ‘Recrio-me nos abismos do espaço’. 

José Maria Nascimento divide o tempo ainda no acabamento de um livro inédito de poemas, que ele pretende inscrever num desses concursos literários. Sobre reconhecimento, essa palavra cheia de armadilhas, ele não cria grandes expectativas. Nem se considera um injustiçado. “Eu colhi o que plantei”, diz, como quem conhece a trama do chão onde pisa. Só sabe ele que “mora nas manhãs” dessa cidade antiga que, num dia como hoje de setembro do ano passado, esqueceu dos seus 80 anos.

Faruk e a maconha

Primeiro chegou o Bob, há 10 anos, um bebê ainda. Maria Clara, uma criança na época, o viu em Brasília, pequenino, olhos de puro dengo, pelo dourado, e nos convenceu a trazê-lo pra morar com a gente em São Luís. Todos crescemos com ele. Virou um lorde, bonachão, hoje com as marcas da idade no corpo. De movimentos mais lentos, dorminhoco e cheio de manias, toma doses diárias de Euthyrox, o remédio que mantém sob controle o hipotireoidismo.    

 

Cinco anos depois veio o Faruk, um rapaz cheio de energia, inquieto, mas visivelmente desorientado, que sequer entendia quando o chamávamos pelo nome. Não era pra menos. Um tanto abaixo do peso, o comportamento extravagante... Resultado: na casa onde morava, a família desistiu dele. E lá estava Maria Clara a nos convencer a adotá-lo. Nós o recebemos e logo aprendemos a conviver com estripulias tão incomuns, com a alegria que não cessava – e que não sabíamos de onde vinha, afinal Faruk fora rejeitado nos seus primeiros dez meses de vida.

 

Bob e Faruk são cães da raça golden retriever. Chegaram e se espalharam em nossas vidas. Maria Clara tinha 11 anos quando assumiu a “tutela” do Bob: na atenção, no carinho, na alimentação, na saúde. E assim foi também com o Faruk. Com os dois cães ela conversa e mantém uma inexorável conexão de afeto.

 

O histórico de rejeição de Faruk fez com que Maria Clara dedicasse uma atenção especial a ele, redobrando cuidados. Apesar de toda aquela energia, o cão era frágil emocionalmente. Quando o acolhemos, por exemplo, Faruk não sabia o que era um carinho. Foi um aprendizado – para ele e para nós. E, ao chegar em casa, ainda teve que lidar com as crises de ciúme de Bob, que logo passaram. 

 

Em alguns meses, Faruk recuperou o peso e ganhou força, muita força. Uma das brincadeiras favoritas dele era me desafiar num cabo de guerra com qualquer pano de chão que encontrasse pela frente. Na maioria das vezes, conseguia me arrastar por metros.

 

Mas ele tinha o hábito de engolir coisas estranhas. Caroços de manga, meias, brinquedos e pequenas pedras faziam parte desse exótico cardápio do cão. Certa vez ele engoliu um seixo imenso e começou a apresentar complicações sérias, como a obstrução no estômago, que desencadeou crises de gastrite e pancreatite agudas. Só não foi a óbito porque o levamos às pressas a uma dessas clínicas que atendem na madrugada. Logo pela manhã ele estava na mesa de cirurgia, para a retirada do seixo. Passou semanas em recuperação. E sobreviveu. 

 

Nesse interregno, Maria Clara cresceu e entrou pra faculdade de medicina veterinária. Era o sonho dela, desde sempre, mas que ganhou forma ali no convívio diário com Faruk e Bob. Maktub!, eu pensava alto.

 

As desarrumações na vida de Faruk, porém, só estavam começando. Em meio aos exames para a intervenção cirúrgica, descobriu-se que ele havia desenvolvido a cinomose, doença viral altamente contagiosa que leva o cão a um processo degenerativo rápido e, quase sempre, à morte. 

 

Quase ao mesmo tempo, Faruk fora diagnosticado também com leishmaniose (também conhecida como calazar), outra grave enfermidade que, na maioria dos casos, deteriora a saúde do cão, deixando-o com chances mínimas de sobrevivência. Um cenário desolador. 

 

Faruk começou a definhar. Perdeu peso bruscamente e iniciou um processo de atrofia muscular que lhe tirou boa parte dos movimentos. Eram dores e espasmos cada vez mais fortes. Mal conseguia andar. Ficamos assustados com os diagnósticos. Mas jamais cogitamos em sacrificá-lo. Mesmo abalada, Maria Clara tomou a frente do tratamento (com o apoio da mãe, Adriana), levando-o a consultas, estudando as doenças e discutindo alternativas com veterinários e professores do curso.

Faruk perdeu muito peso e parte dos movimentos 

Mas era só uma questão de tempo, imaginávamos. Nas entrelinhas das conversas com veterinários, Faruk estava desenganado.  

 

Chegou um momento em que Faruk, completamente debilitado, estava tomando 12 medicamentos ao mesmo tempo. E ainda assim os espasmos só aumentavam. 

 

Maria Clara já havia recorrido a todos os tratamentos convencionais possíveis no campo da medicina veterinária. Até que um dia decidiu procurar o avô, Ubirajara Ramos, que lançara em 2014 Tá todo o mundo enganado (Recife, Editora Babecco), livro que reúne dez anos de pesquisa sobre o uso medicinal da maconha e também aborda a política internacional de guerra às drogas.

Os espasmos de Faruk eram cada vez mais frequentes

Ubirajara recomendou que Maria Clara assistisse a alguns documentários sobre o tema e intermediou o contato com uma amiga dele que fazia o uso regular do óleo da cannabis sativa no tratamento de um filho com epilepsia. 

 

“Anjo” – como passamos a chamar a amiga de Ubirajara –, depois de muita luta como mãe desesperada, e de algumas batalhas judiciais, recebeu há alguns anos autorização da Anvisa para plantar maconha em casa e dela extrair o óleo, em quantidade suficiente para suprir o tratamento do filho. 

 

Após um longo período de pesquisa, “Anjo” passou a conhecer as propriedades medicinais da maconha e, a partir delas, começou a desenvolver o óleo, que já era utilizado em diferentes países no tratamento de doenças psiquiátricas ou neurodegenerativas, como a epilepsia, o Alzheimer, a esclerose múltipla, o mal de Parkinson e a esquizofrenia.    

 

O óleo do “Anjo”, como ela deixa bem claro, é apenas para consumo doméstico, de uso terapêutico no filho. Mas, depois da recomendação do meu sogro Ubirajara e dos apelos de Adriana e Maria Clara, ela resolveu ceder. Por que não a experiência de salvar a vida do Faruk? O “Anjo” topou o desafio, mesmo sem jamais ter aplicado uma gota de óleo da cannabis em um cão.  

 

“Anjo” quis saber tudo sobre a saúde do nosso cão e, de uma ilha distante, onde vive, prontificou-se a nos ajudar. Fomos ao encontro dela no porto, onde recebemos o primeiro frasco com o óleo da maconha e mais orientações sobre o tratamento. O óleo do Faruk, ela nos alerta, tem uma combinação específica de canabinoides. “Cada caso é um caso”.

 

E assim iniciamos o tratamento. Em princípio, duas gotas do óleo por dia. Depois cinco gotas. E apenas uma pequena evolução. As primeiras reações de Faruk só vieram quando aumentamos para dez gotas do canabidiol (o CBD) aplicadas durante a noite, quase dois meses depois do início do tratamento. No meio do caminho, os medicamentos tradicionais foram ficando pra trás. 

 

Antes sem apetite, muito magro e quase sem movimento, Faruk começou, com muita dificuldade, a ensaiar os primeiros passos. Até que um dia pela manhã, eu sentado numa cadeira da varanda lendo o jornal, percebo que algo roçava minha perna. Baixei o jornal e vi Faruk com um pano de chão na boca me convocando para um cabo de guerra. Eu me emocionei. Todos ficamos comovidos com a cena. Aquele cão inquieto de outrora nos dizia, ainda meio cambaleante, torto, que estava de volta ao jogo.

 

E de fato voltou ao jogo. Oito meses depois do início do tratamento com o canabidiol, Faruk recuperou os movimentos, reduziu drasticamente os espasmos, ganhou massa muscular e voltou a ser aquele cão traquinas de antigamente. Hoje, ainda apresenta alguns poucos espasmos – à noite, principalmente –, mas não faz uso de qualquer medicamento convencional. Nunca mais deixou de tomar as gotas de CBD antes de dormir. Nunca mais perdeu o vínculo com essa ilha dos arcanjos. 

Eu, Faruk, Bob e Maria Clara

É ágil e exuberante na forma de se postar. E parece estar sempre ligado nos 220 volts. Corre, pula, rodopia, atropela o Bob com suas quatrocentas patas que parecem molas... Esse é o Faruk. A origem do nome é árabe. Faruk significa aquele que irradia alegria e felicidade. Assim é ele. Significa também aquele que sabe distinguir o certo do errado. Ah, mas isso o Faruk não é mesmo, vamos combinar! Se nos descuidarmos, rapidinho ele devora qualquer pedra que achar pelo caminho. 

Ubirajara Ramos e o Faruk algum tempo após o início do tratamento

 

Karapiru vai à procura dos seus

 

Numa viagem pelo Maranhão profundo, em 1995 tive o primeiro contato com os índios Awá Guajá, etnia de origem nômade reconhecida com uma das mais vulneráveis do planeta, devido à ameaça constante de madeireiros, grileiros e invasores de suas terras. 

 

A convivência com esses índios de hábitos rudimentares – as mulheres da aldeia amamentam filhotes de macaco e porco do mato, por exemplo – resultou no livro Guajá, a odisseia dos últimos nômades, que publiquei dois anos depois pelo selo editorial da UFMA, como parte do trabalho de conclusão do curso de Jornalismo.   

 

Essa convivência me fez também conhecer personagens e descobrir histórias fascinantes, como a de Karapiru, o índio que, ao se perder da família quando atacado por capatazes de uma fazenda no Maranhão, fora encontrado no interior da Bahia após dez anos de caminhada pelas matas do País.   

 

A história de Karapiru é um dos capítulos desse pequeno livro sobre os Awá Guajá, escrito no calor dos anos estudantis. Além de curioso, o caso tem um desfecho inusitado. Em verdade, um desfecho emocionante. 

 

Fico sabendo agora, contudo, que Karapiru, símbolo de força e resistência dos Awá Guajá pelos dez anos de solidão e caminhada errante, à procura de seu povo, perdeu a vida há pouco mais de uma semana para a Covid-19. Ele já havia tomado as duas doses da vacina, mas não resistiu aos efeitos da doença. 

 

A morte de Karapiru, cuja saga reproduzo aqui em versão reduzida, é também a morte de parte da história dos Awá Guajá. Com ele vai a natureza em estado bruto, com sua simplicidade e pureza. Com ele vai a rara alegria dos Awá Guajá. 

 

Dez anos de solidão 

(trecho extraído do livro Guajá, a odisseia dos últimos nômades)

 

Final de tarde na aldeia de Txipatxiá. Alguns índios retornam da colheita de mandioca. Uns caçam. Outros tomam banho no igarapé. À sombra de um tapiri, sentados, estamos eu, Damasceno (o chefe do posto da Funai) e o índio Irakatakoa. Passo a ouvir histórias, e uma delas me chama a atenção. É a curiosa saga de Karapiru, que também nos faz companhia – de cócoras, como ele diz sentir-se à vontade para falar de “coisas da vida”.

 

Ouço com atenção o relato de Karapiru e Irakatakoa, que é enriquecido por informações mais recentes de Damasceno. Contam que o povo Awá Guajá, pela origem nômade, sempre andou em bando, tanto os índios já identificados quanto aqueles considerados ainda isolados. Em grupo, sentem-se menos vulneráveis.

 

Os índios ocupam os verdes vales dos rios Turiaçu, Caru, Pindaré e Gurupi, na Amazônia maranhense. Guardiões naturais da Reserva Biológica do Gurupi, de tradição nômade, são povos coletores e vivem basicamente de caça e pesca, ainda sem muita intimidade com a agricultura. A mandioca é apenas uma cultura em teste no cotidiano dos Awá Guajá.   

 

A história remonta a 1978, quando a família de Karapiru fora vítima de um ataque de fazendeiros na cidade de Amarante (MA), supostamente enfurecidos pelo desaparecimento frequente de animais de suas propriedades. O grupo de aproximadamente 12 índios, dentre eles a companheira, pais, filhos e irmãos de Karapiru, foi surpreendido numa emboscada e, em meio a um barulhento tiroteio, cada um fugiu como pôde.

 

Karapiru, hoje com cerca de 55 anos, mal consegue formular uma frase num português compreensível – o tupi-guarani dos Awá Guajá também tem as suas peculiaridades. Tento entender o relato com a ajuda de Irakatakoa e Damasceno. Karapiru diz que no momento do ataque conseguiu escapar levando na fuga, sem rumo certo, a filha pequena nos braços. E que dali em diante não saberia mais de qualquer notícia sobre sua família. 

 

A criança não resiste. O índio vê-se sozinho no meio dos capoeirais, cada vez mais distante de sua gente.

 

O filho de Karapiru, de nome Txiramuku (foto abaixo), então com oito anos, ficara preso nas cercas da fazenda, durante o ataque. Encontrado por uma família de lavradores, fora entregue a funcionários da Funai.

Sob a atenção de sertanistas e técnicos da fundação, Txiramuku aprendeu a falar português desde cedo e ficou conhecido fora da aldeia pelo nome de Benvindo. Hoje é um dos principais intérpretes no trabalho de contato com grupos de Awá Guajá isolados.

 

Completamente nu, perdido no meio da mata e com a impressão de continuar perseguido por capangas de fazendeiros, Karapiru avança cada vez mais em direção sul, alimentando-se do que encontra pelo caminho. Diz ter comido aves e muitos répteis, como camaleão e cobra, no princípio da caminhada. 

 

Algum tempo depois, passa a fabricar flechas de taboca para caçar porco, cavalo, vaca e cabrito, nos arredores de vilarejos e fazendas por onde passa. Para se alimentar. Só descansa ao parar pra dormir, já na escuridão da noite. Essa é a rotina de Karapiru. Começa a deixar rastros quando passa a levar facas, machados, garrafas e outros pertences de famílias de mateiros e agricultores.

 

Quando não consegue improvisar uma cabana, dorme em árvores para se proteger do ataque de animais, como queixadas e jaguatiricas, e também de caçadores. Por algumas vezes Karapiru chega a ser visto por moradores do sertão. Ao tentar aproximação, provoca reações de espanto. 

 

Karapiru conta que, em determinado momento da caminhada, fora visto atirando flechas em bezerros de uma fazenda, e que, por isso, teria sido atingido por tiros de espingarda numa das pernas. Escapou da morte porque evadiu-se do local e por ter usado folhas de uma planta para sarar as feridas.

 

Karapiru faz uma pausa na conversa e levanta-se. Irakatakoa e Damasceno falam que ele nunca relata a história completa da caminhada. Continuamos ali juntando peças para entender o conjunto. Karapiru anda agora de um lado para o outro. Recolhe do chão um velho arco e, de costas, atira a flecha para cima, que cai exatamente dentro de uma lata que ele havia colocado para a sua exibição, próximo de mim. Fico ligeiramente assustado. Damasceno explica que Karapiru, durante os anos de andanças pelo mato, adquirira habilidade especial com arco e flecha.

 

São dez anos de peregrinação solitária, cortando vilas, causando espanto e levando consigo a esperança de reencontrar seu povo. No dia 10 de outubro de 1988 começa a história que leva o índio de volta pra casa.

 

No município de Angical, no extremo oeste da Bahia, em meio ao milharal, um agricultor depara-se com uma figura magra, de traço físico incomum, nunca vista antes por aquelas bandas. Desconfiados, índio e agricultor se entreolham e cada um evita esboçar qualquer reação de medo. O índio tenta continuar a caminhada, carregando flecha, facão, panela e outros pequenos objetos estendidos na tipoia. Apesar do receio, o agricultor segue o índio que, depois de algumas tentativas, é convencido a acompanhá-lo a um assentamento de posseiros nas proximidades. 

 

Karapiru vira o centro das atenções no vilarejo. É acolhido pelas famílias de agricultores e visto como o índio alegre, uma figura exótica que saiu das entranhas da mata e gosta de cantar, dançar e tomar banho de rio nu.

 

Logo informam a presença do índio ao escritório da Funai. Dias depois, segue para Brasília na companhia do sertanista Sydney Possuelo, então coordenador de índios isolados da instituição federal. 

 

As características físicas e o comportamento arredio de Karapiru levam técnicos e antropólogos à suspeita de que estão diante de um índio da tribo dos Avá-Canoeiro, grupo do estado de Goiás de origem e traços semelhantes aos Awá Guajá. Karapiru ri quando diz que ficou conhecido por algum tempo pelo nome de “Avá”.

 

Mas havia também a desconfiança de que aquele índio poderia ser um Guajá. A Funai precisava de um intérprete para fazer o contato com o tal “Avá” para descobrir a verdadeira origem dele. Possuelo, que já conhecia de perto os Guajá, convoca o índio Jeí, do Maranhão, para fazer o contato.  Jeí não pode ir. No lugar dele enviam outro índio Guajá, o Txiramuku, aquele do começo da nossa história.            

 

Em Brasília, Txiramuku tem o primeiro contato com “Avá”, ainda no apartamento de Possuelo. Os dois índios apenas se observam por longo tempo. Txiramuku se aproxima. Técnicos e antropólogos acompanham o encontro a certa distância. Começa então a conversa entre os dois, num tom quase silencioso. 

 

A certa altura do estranho diálogo, Txiramuku solta a pergunta, para espanto da equipe da Funai: 

            

– “Avá”, qual é mesmo o teu nome?

– Karapiru.

– Não pode ser. Karapiru é o nome do meu pai – diz Txiramuku, dirigindo-se a Possuelo.

 

Todos ali estão surpresos com a possível coincidência. Alguns parecem não acreditar no que estão presenciando. A curiosidade se acentua quando Txiramuku faz uma revelação:

– É meu pai mesmo. O nome dele é esse aí e ele tem marca de chumbo nas costas – confirma, com a voz embargada, e pede a Karapiru que levante a blusa para mostrar as cicatrizes.

 

E lá estavam na pele as marcas de tiros que Karapiru levara antes do ataque de Amarante, quando a família ainda perambulava unida.

– Eu sou Txiramuku, o seu filho que ficou preso na cerca naquela ocasião do ataque a nossa família.

 

Os dois, emocionados, e ao mesmo tempo assustados com os olhares curiosos da equipe, conversam por mais tempo e tentam entender o que houve com cada um naqueles últimos dez anos.

 

Alguns dias depois, Karapiru é levado de volta à reserva indígena dos Guajá. Sobre os outros índios da família, não se obteve mais notícias. É provável que estejam por aí, rasgando as matas do Brasil perseguidos pela sombra do ataque daquele longínquo 1978. Se ainda vivos, estão entregues à própria sorte, alimentando a solidão na esperança de um reencontro com suas origens. O caso de Karapiru é um exemplo de resistência do povo Awá Guajá. 

 

Karapiru é o símbolo da força dessa gente. 

 

(texto escrito originalmente em 1995, editado com atualizações) 

 

Fotos: Félix Alberto Lima

30 anos da Coletiva de Maio

Improvável falar de artes plásticas no Maranhão sem perscrutar, livremente, a última década do século XX. Pode não ter sido o período mais criativo, mas os anos 1990 são, de longe, os mais buliçosos para artistas plásticos locais. Não foram poucos os eventos e espaços criados para a divulgação de trabalhos de veteranos e iniciantes, a exemplo de badaladas exposições coletivas, abertura de importantes galerias e lançamento de livro com inventário essencial das artes maranhenses.

    

A Coletiva de Maio foi um divisor de águas para muita gente. Entre 1991 e 1996, as seis edições da exposição entraram para a história e encetaram um desfastio na pacata cena cultural de São Luís. Durante seis anos, a exposição deu o que falar e fez tremer, desde o primeiro ato, em 25 de maio de 1991, as estruturas do tradicional Convento das Mercês, que acabara de abrir as portas depois de um longo período de restauração.

 

Idealizada pela Fundação da Memória Republicana e Universidade Federal do Maranhão, com apoio da iniciativa privada, a Coletiva de Maio era um evento aberto à participação da classe artística – “sem caráter competitivo”, como à época diziam os organizadores. Havia, porém, uma premiação em dinheiro aos autores dos cinco trabalhos escolhidos pelo público  no dia da abertura da exposição, fato que, desde o início, ensejou inúmeras polêmicas. 

 

Polêmica, aliás, não faltou em cada edição da Coletiva de Maio. O Maranhão saía de um período de estio, depois de alguns anos sem a realização do tradicional Salão de Maio, e já sem o impulso do Cenarte, Mirarte e Gororoba, iniciativas que movimentaram as artes maranhenses entre os anos 1960 e início dos anos 1980. Logo na primeira coletiva houve uma corrida intensa ao Convento das Mercês. Foram 117 artistas plásticos inscritos e 148 trabalhos em exposição, sem qualquer crivo.

 

Vanguarda - Com programação visual de Roberto K-Zau e curadoria de Ubiratan Teixeira, Pergentino Holanda, Euclides Moreira Neto, Zelinda Lima, Fernando Bicudo e Carminha Cabral Marques (e mais Maria do Carmo, Fátima Frota e Rosilan Garrido, em edições posteriores), pelos corredores da Coletiva de Maio viam-se pinturas, esculturas, fotografias e colagens, mas a novidade era o número expressivo de instalações, performances e outras linguagens de vanguarda, principalmente em obras criadas por artistas mais jovens.

 

Estavam lá Ivana Farias, Marlene Barros, Paulo César, Henrique Dias, Wagner Alhadef, José Maria Eça, Adiel Belo, José Jorge Leite Soares, Clóvis Cabalau, Ana Borges, Ambrósio Amorim, Péricles Rocha, Ciro Falcão, Luís Carlos, Silva Maranhão, Luís Pires, Ayrton Valle, Geraldo Kosinski, Edgar Rocha, Fransoufer, Princesa Blues, Marçal Athaíde, Fidélis, Ana Maria Félix, Ivanildo Ewerton, Gênio Araújo e Othon Bastos. Entre tantos outros mais, havia também a pequena Luiza Santos, de 7 anos, filha do artista Jesus Santos.

  

Logo no primeiro dia, mais de mil pessoas visitaram a mostra empunhando suas cédulas de votação. Se a reabertura do Convento das Mercês era motivo de grande curiosidade – pela grandiosidade e beleza do espaço, um monumento erguido no bairro do Desterro ainda no século XVII – havia também um clima de expectativa em torno da qualidade das obras expostas. 

 

A Coletiva de Maio oferecia ainda aos artistas uma programação paralela que incluía discussões acadêmicas e troca de experiências com convidados de outros estados. As primeiras palestras e workshops foram conduzidos por Jesus Santos, Airton Marinho e o goiano Siron Franco.   

 

Jornal de ontem - Os votos estavam nas mãos de pessoas anônimas, que escolhiam seus trabalhos preferidos mais por simpatia ou apelo popular que por conhecimento dos elementos característicos de uma obra de arte. Havia entre as obras em exposição, por exemplo, um rolo de papel higiênico feito com as folhas de um jornal do dia anterior, além de um altar com velas acesas que, por muito pouco, não atearam fogo no convento.

 

Os artistas escolhidos pelo público em 1991 foram Uimar Júnior, com a sua escultura viva “Homem nu”, em tintura aplicada sobre a pele; Miguel Veiga, Airton Marinho, Renata Jutahy e a iraniana Haleh Khazrai. A performance inusitada de Uimar Júnior ganhou as páginas dos jornais e arrebatou quase a unanimidade dos votos dos visitantes.  

 

A premiação de Haleh Khazrai desencadeou uma polêmica à parte. O artista Jerônimo Costa, que participava da coletiva com o quadro “Paz celestial”, alegou que a tela “Bailarinas” pintada pela iraniana era, em verdade, cópia de obra já conhecida, também reproduzida tempos atrás por outro artista paraibano. Depois de denúncia formal de Jerônimo, Haleh publicou nota na imprensa reconhecendo que o seu trabalho era de fato uma reprodução de uma imagem “publicada na coleção de um curso prático de fotografia”, mas que o regulamento da Coletiva de Maio não exigia trabalhos inéditos.

 

Na mesma edição da coletiva, o artista Jorge Bezerra fez circular entre os visitantes do Convento das Mercês um panfleto em que criticava, entre outras coisas, aqueles expositores que “pagavam para aparecer”, numa referência à taxa de inscrição cobrada pelos organizadores. Uma espécie de manifesto contra o exibicionismo. “Quando muitos colhem e poucos plantam, acontece a escassez”, dizia.  

 

Desassossego - Como julgar com a mesma régua obras de diferentes técnicas? Essa era uma das principais questões levantadas por artistas inconformados com o resultado da votação popular. Muitos criticavam o julgamento dos trabalhos pelo público visitante – tido como “carente dos valores estéticos mais elementares” –, risco que caberia aos especialistas em arte.

 

Considerada à época pelo jornalista Raimundo Garrone, em texto publicado no jornal O Imparcial, como algo “inútil e enfadonho”, a Coletiva de Maio foi um dos espaços mais democráticos das artes no Maranhão, principalmente por abrir espaço a artistas que estavam em início de carreira. Ou seja, a maioria. Mesmo com os deslizes nas sucessivas edições, a coletiva movia-se como uma espécie de revelação do desassossego criativo. E mais: estimulava o envolvimento de escolas e a participação de estudantes, ora como visitantes, ora como expositores.

 

Em seis edições, a exposição do Convento das Mercês transformou-se em um dos principais eventos do gênero na região Nordeste. “A Coletiva de Maio é, na verdade, uma grande confraternização e mostra que o maranhense é extremamente talentoso”, declarou Carminha Cabral em reportagem publicada na época pelo jornal O Estado do Maranhão. “É preciso, agora, não perder o pique, para que todos os anos, indefinidamente, possamos renovar a tradição dessa grande mostra de maio que servirá de termômetro de avaliação no campo das artes”, escreveu Jesus Santos em crônica de 1991, no mesmo periódico.    

 

Para os artistas mais jovens, como o então estudante de Jornalismo Clóvis Cabalau, que participou da primeira edição com o trabalho “Além da tela”, a exposição causou um enorme impacto. “Taí uma ótima chance de expor minhas pinceladas, pensei. Não lembro bem da obra que apresentei, mas recordo perfeitamente do efeito que a exposição causou nas pessoas”, disse ele. “Espanto, admiração, incômodo, alegria…, tudo o que cabe à arte fazer”. Na opinião de Cabalau, a primeira mostra mexeu com a cidade. 

 

Toda nudez será premiada

 

Em 1992, a Coletiva de Maio seguiu mantendo o mesmo ritmo e padrão da edição anterior, com a atmosfera de novidade cercando o Convento das Mercês. Com 187 artistas inscritos e 247 trabalhos em exposição, a mostra deu um salto na quantidade de obras, dentre elas a tela “São Pedro”, assinada pelo ex-presidente José Sarney.   

 

Pelo fato de o júri popular mais uma vez premiar o nu artístico de Uimar Júnior, que apresentara naquele ano a performance “Chega de meio ambiente, lute por um inteiro”, alguns críticos passaram a denominar a exposição de “coletiva dos pelados”. Uimar pegava carona em maio na incipiente temática do meio ambiente, que um mês depois ganharia o mundo com as pautas sobre biodiversidade e degradação ambiental da Eco-92. 

Além de Uimar Júnior, receberam premiação na Coletiva de 1992 os artistas Sílvio Serra, também com a performance de nudez “Entre os seios ó liberdade”; Maria Alves, com a escultura “O aposentado”; Francisco Chagas Miranda, com o desenho “Vítimas de tudo”; e Robert Animal, com a aerografia “As araras”.

 

Em crônica, Jesus Santos chamava a atenção para o excesso de experimentalismo: “[A Coletiva de Maio] mergulhou este ano no hermetismo maneiro e mal-acabado de instalações e performances que nos dá a impressão de ser mais importante estar caricatamente em dia com o que se faz lá fora do que seguir racionalmente o curso crítico de nossa própria realidade”.  

 

Mercedários - Em contraposição, o jornalista, crítico e teatrólogo Ubiratan Teixeira rendia-se aos aspectos positivos da exposição. “A Coletiva de Maio é um regalo para os olhos e para a história de nossa arte. Uma tentativa de produzir uma obra, ali naquela casa que por si só é uma obra de arte, que é o convento dos mercedários”, argumentava. 

 

Em 1993, os organizadores da Coletiva de Maio, mesmo mantendo o critério de votação do público, convidaram representantes da Escola de Artes Visuais do Parque Lage, do Salão de Arte Contemporânea do Pará e da Fundação Joaquim Nabuco para compor um júri técnico. E mais uma vez lá estava Uimar Júnior consagrado pelo júri popular, entre os 221 artistas participantes. A obra “Ambiguidade”, de Geraldo Reis, levou o primeiro prêmio da exposição pelo júri técnico. 

 

Vale registrar que, nas três primeiras edições do evento, o prêmio do júri popular acabou ganhando contornos de uma disputa de torcida pelo artista preferido. O mesmo Ubiratan Teixeira que elogiara o evento no ano anterior, em 1993 ele dizia que a coletiva dava “sérios sinais de exaustão e infantilismo”.  

 

A Coletiva de Maio de 1994 recebeu 226 trabalhos inscritos e contou com a participação de dez artistas convidados de outros estados, entre eles Gil Vicente, de Pernambuco, e Sérvulo Esmeraldo, do Ceará. Pelo júri técnico foram premiados os artistas Donato (“Consumismo”), Geraldo Reis (sem título) e Philippe Lhuillier (“Na oficina mecânica”), com menção honrosa para Ivana Farias (“Fixação”) e Renata Jutahy (“Timidez”). Maria Alves Araújo (“Quebrando coco”) e Fernando Almeida (“Telhados coloniais”) levaram os prêmios do júri popular.     

 

Já em 1995 a curadoria da exposição estabeleceu critérios mais rígidos aos participantes. Ficaram de fora da Coletiva de Maio as instalações e performances. Das 247 obras inscritas, apenas 156 foram selecionadas. Entre os vencedores daquele ano, estavam os artistas Paulo César (“O carro da frota é belo”), Geraldo Reis, Ivana Farias, Ciro Falcão e Edgar Rocha. 

Em reação à exclusão das instalações e performances, os artistas Uimar Júnior, Fernando Medeiros, Dyl Pires, Léo Lima e Carlos Miranda organizaram uma passeata de protesto pelas ruas do Desterro e nos corredores do Convento das Mercês, com direito a fantasias, caras pintadas e um estandarte com a colérica pergunta “Eras tu, Coletiva?”. 

 

Em 1996, última edição da Coletiva de Maio, por trás do excesso de rigor percebiam-se os primeiros sintomas de tibieza na comissão organizadora e na classe artística. Dos 350 trabalhos apresentados, ficaram no salão principal da exposição apenas 150 obras. E o júri técnico decidiu, ao final, pela premiação de Péricles Rocha (desenho), Geraldo Reis (pintura) e Wilson Marques (fotografia).  

 

Em 1997 ainda houve uma tentativa, e uma certa pressão por parte dos artistas, mas a Coletiva de Maio não aconteceu por falta de recursos. O principal mecenas na época, a Alumar, não correspondeu ao orçamento apresentado pela organização, estimado em cerca de 100 mil reais. “Hoje, temos o vazio. Se tivesse sido preservada, talvez a Coletiva fosse agora uma das exposições mais importantes do Brasil”, argumenta Clóvis Cabalau.

 

Uma coletiva para os rejeitados

 

Desde a primeira edição, em 1991, a Coletiva de Maio reverberava pelos salões e corredores do Convento das Mercês o ambiente socioeconômico e político do momento. O Brasil vivia um período conturbado, de incertezas e confiscos no malogrado governo de Fernando Collor de Mello. Muito do que ali estava em exposição refletia as agruras e desencantos de um País que – como se repete agora – virava as costas para as artes.  

 

Havia testilhas veladas entre o antigo e o novo, a tradição e a vanguarda, as obras de arte convencionais e as experimentações, artistas e curadoria. Desse conflito emergia também a discussão mais complexa sobre a diferença entre obra efetivamente de qualidade e refugo. Mas quem, no meio daquele campo minado de artistas ávidos por premiação em dinheiro ou reconhecimento, haveria de separar o joio do trigo? 

 

Pois em 1996 os organizadores da mostra resolveram, por conta e risco, criar a Coletiva dos Excluídos, uma versão paralela da Coletiva de Maio com exposição de trabalhos tidos como “de segunda linha” pela curadoria. Das 350 obras inscritas, apenas 150 foram classificadas para a mostra oficial, expostas com pompa em salão especial no piso superior do convento. E pouco mais de 180 trabalhos de 88 artistas ficaram em exposição no térreo da Fundação da Memória Republicana. Ou seja, alguns artistas curvaram-se à envergonhada decisão dos curadores. Outros, em repto, resolveram retirar suas obras da exposição. 

 

Mostras com esse tipo de segregação já existiam em outros estados, como no Pará, diziam integrantes do júri técnico. “Pretendemos, com isso, dá oportunidade aos artistas inconformados com a rejeição”, justificou, à época, a coordenadora da exposição, Rosilan Garrido. 

 

No refugo - Mas a reação da comunidade artística veio à altura. “É muito mais indecente que os próprios [artistas] rejeitados aceitem essa condição vexatória de se deixar confinar numa mesquinha seção de refugos, numa evidente demonstração de falta de respeito ao seu próprio trabalho”, escreveu Ubiratan Teixeira, em crônica publicada no jornal O Estado do Maranhão.     

 

Ubiratan argumentava ainda que, a cada ano, o nível dos trabalhos não evoluía. Segundo ele, os artistas continuavam produzindo compulsivamente, mas a maioria estava fora do tempo, alimentando o ideal de que era “chique fazer arte”. A exceção, dizia, era Geraldo Reis, “um dos artistas mais criativos dos últimos dez anos”, ao lado de Mondego, Ivana Farias, Marlene Barros e Donato, estes ainda “sofrendo de sua dramática reclusão estética”.

 

Entre as obras que compunham a “Coletiva dos Excluídos”, havia trabalhos de qualidade, “surpreendentes até”, segundo Ubiratan. Marlene Barros inscreveu três telas: duas foram selecionadas para a mostra oficial e uma ficou no rebotalho. Na mostra oficial estava um busto imitando a imagem da então governadora Roseana Sarney. “Se eu fosse a excelentíssima, tacava um processo no [artista] indigitado por ofensa à moral e ao pudor”, escreveu Ubiratan.      

 

Geraldo Reis, que estava na mostra oficial e fora um dos premiados na edição de 1996, também reagiu à criação da “Coletiva dos Excluídos”: “Talvez essa tenha sido uma forma de agradar a todos, mas considero que um evento importante como a Coletiva não possa agradar a todos. Então, para que serve o júri técnico?”. Sobre o busto para Roseana, disse Geraldo: “Cairia bem como um presente à governadora, mas ficou fora de contexto num salão de artes plásticas”.  

 

Uimar Júnior na capa do Jornal do Brasil

 

Uimar Júnior saiu dos corredores do Convento das Mercês para estampar por três vezes a capa do Jornal do Brasil e de outras publicações pelo País. A escultura viva do jovem artista maranhense também foi destaque no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro e chegou a ser classificada por alguns artistas cariocas como algo “brilhante e fantástico”.  

Ao ser convidado pelo professor e produtor cultural Euclides Moreira Neto, Uimar Júnior não imaginava que a participação na primeira Coletiva de Maio, há 30 anos, mudaria o rumo de sua vida. Corpo coberto por uma pasta d’água, tinta em pó verde e purpurina, movimentos sutis, o personagem meio androide de Uimar fez história e atraiu a atenção de curiosos por onde passou. 

A performance “Homem nu” era uma homenagem às esculturas gregas. “Os gregos não davam essa conotação de imoralidade à arte do nu. Nas pesquisas que fiz, o nu para os gregos tinha a ver com religiosidade. O nu estava relacionado à pureza, e por isso mesmo mais próximo dos deuses”, conta o artista, que afirma não ter sofrido qualquer discriminação na época. 

 

Uimar Júnior diz que a sua arte está a serviço da contestação. As performances – e não foram poucas ao longo de três décadas – têm sempre uma conotação ou política ou social. Assim tem sido ao chamar a atenção para a devastação dos babaçuais, o descaso com o patrimônio cultural e o desprezo aos monumentos públicos de São Luís.  

 

Medo de avião - O ator e performer chegou a morar no Rio, onde participou de duas peças de teatro. Mas, na época, desenvolveu uma síndrome do pânico e teve de voltar ao Maranhão. Ficou um tempo isolado, em busca de tratamento para o medo de entrar em avião ou qualquer ambiente fechado, fato que estancou os planos de uma carreira nacional.

 

Uimar Júnior é considerado o pioneiro do estatuísmo no Brasil, autor de uma obra silenciosa, mas que, apesar do paradoxo, dialoga facilmente com o público. Tímido, mas cheio de coragem para expor a linguagem do próprio corpo. Assim é o artista, natural de Codó, que iniciou nas artes cênicas aos 18 anos, ainda aluno da antiga Escola Técnica Federal do Maranhão, sob influência do professor Cosme Junior.

 

“A Coletiva de Maio foi um marco na minha vida, e na vida de muita gente. É como se a Semana de Arte Moderna tivesse desembarcado no Maranhão em 1991, com quase 70 anos de atraso”. No início da década de 1990, observa Uimar, eram poucas as pessoas que sabiam o que significava arte contemporânea.

 

Depois de receber o reconhecimento popular nas edições de 1991, 1992 e 1993 – com premiação em dinheiro, inclusive –, Uimar viu o seu trabalho descartado pelos organizadores da Coletiva de Maio nos anos seguintes. Em 1995 e 1996 a curadoria extinguiu da exposição instalações e performances. Houve protesto, mas sem sucesso.

 

“De certa forma, isso fez com que o público fosse perdendo o interesse em visitar a exposição. As pessoas estavam sedentas por novidade”, pondera. “Era uma época de mudança, que pedia evolução. Mas os organizadores retrocederam no tempo e a Coletiva de Maio perdeu o sentido”. Uimar Júnior escreveu uma carta aos organizadores classificando o evento como “uma coletiva arcaica”.   

 

50 anos de arte em livro raro

 

Em meio à efervescência das edições da Coletiva de Maio, que na opinião de Euclides Moreira Neto recrudesceu fortemente a arte represada havia anos por talentos maranhenses, o Banco do Estado do Maranhão financiou a publicação, em 1994, do livro Arte do Maranhão 1940-1990. A obra, atualmente fora de catálogo, é um vasto mapa das artes plásticas maranhenses ao longo de 50 anos, com perfis de artistas e registros de obras de excepcional valor cultural. 

Sob a coordenação do então diretor administrativo do BEM, Eliézer Moreira Filho, que também é um dos principais colecionadores de arte no Maranhão, o livro em edição bilíngue contou com o suporte de Jesus Santos na edição de texto; Zelinda Lima na consultoria de arte; Denise Bogéa no projeto gráfico e editoração eletrônica; Edgar Rocha na fotografia; e Antônio Soares Pacheco, Helena Andrade e Luiz de Mello na pesquisa.  

 

Arte do Maranhão 1940-1990 traz textos introdutórios assinados por Ferreira Gullar, Jesus Santos, Ubiratan Teixeira e José Sarney,  que traçam uma panorâmica da criação artística maranhense, desde as primeiras exposições de desenhos e aquarelas de Floriano Teixeira em São Luís, dos saraus na Movelaria Guanabara com Pedro Paiva Filho, Cadmo Silva, Zaque Pedro, Antônio Almeida, J. Figueiredo, Yedo Saldanha e Ambrósio Amorim, passando por Nagy Lajos, Flory Gama, J. Bezerra, Dila, Péricles Rocha, Lobato, Rogério Martins, Edson Mondego, Donato, Fernando Mendonça, Marçal Athaíde e Cosme Martins até chegar à geração de Geraldo Reis, Zé Roberto Lameiras, Cláudio Costa, Ivana Farias, Paulo César e Ana Borges. Claro que há algumas ausências importantes, como a de Cordeiro do Maranhão – que disse se sentir injustiçado pela omissão –, mas no geral o livro cumpre o seu papel.  

 

Linguagem pictórica - “(...) No salão de cima do Teatro Arthur Azevedo, visitei uma exposição de pintura maranhense e já aí deparei-me com uma nova linguagem pictórica: as figuras eram deformadas ou estilizadas, e os quadros não buscavam imitar a realidade conhecida. Isso é pintura moderna, me disseram, e eu não me escandalizara. Pelo contrário, gostara, e voltei várias vezes para rever a mostra”, relata Gullar no livro.  

 

Foram impressos quatro mil exemplares da obra, dos quais mil unidades em capa dura encoberta por linho, pela Burti, editora especializada na publicação de livros de arte. Mal armazenados em um depósito do banco, mais de dois mil exemplares foram inutilizados pela umidade do local. Hoje a obra só pode ser encontrada em alguns poucos sebos do País.   

 

O livro, na avaliação de Eliézer Moreira, é um referencial da cultura do Maranhão, porque não se restringe às artes plásticas. “Para contextualizar o trabalho sobre os artistas, empreendemos viagens, um exaustivo trabalho de pesquisa e fomos buscar informações sobre fases e estilos, lugares e episódios relevantes. O livro é emblemático porque passou a fazer parte, também, da história do Maranhão”, afirma.      

 

Galeria da Caixa deixou um vazio  

 

A Coletiva de Maio, apesar dos eventuais tropeços na organização, provocou uma espécie de renascimento das artes maranhenses nos anos 1990. A produção de artistas veteranos foi retomada, novos nomes sentiram-se motivados a criar e a cidade de São Luís ganhou mais espaços para exposição, como o Palacete Gentil Braga, a Galeria Nagy Lajos/Museu de Artes Visuais, Éden Galeria e Galeria do Sesc.

 

Mas um dos espaços mais nobres naquele período foi, sem dúvida, o Conjunto Cultural da Caixa, que abrigava museu, biblioteca e galeria. Localizada na rua de Nazareth e Odylo, no imponente Edifício Solar São Luís – a maior fachada de azulejaria colonial da América Latina –, a Galeria da Caixa foi palco de exposições memoráveis, entre 1991 e meados de 1995.       

 

Responsável pela curadoria do Conjunto Cultural, coordenei exposições individuais de Péricles Rocha, Donato, Dila, Paulo César, Ana Borges, Zé Roberto Lameiras e Rogério Martins, além de mostras coletivas como o “Salão de Gravuras”, “Coletiva SBPC” e “O papel da arte”, esta última com a participação dos maranhenses Fernando Mendonça e Marçal Athaíde e de convidados como Barrão, Rubens Gerchman, Ivald Granato, Arthur Barrio, Ivan Freitas, Tomoshige Kusuno e Analu Bueno. 

 

Baú do Brasil - Ao longo de três anos, trabalhei ali na companhia de amigos e admiradores das artes, como Anna Elizabeth (que me antecedeu na curadoria), Paulo Roberto Nogueira, Roberto Rafa, Valdinéa Parga, Helenedite Guedes, Luzia Bordalo, Fabíola Rocha, Saraya Murad, Arlene Menezes e Marco Antônio Lima. 

Quando a Galeria da Caixa fechou as portas, em outubro de 1995, houve uma forte reação dos artistas plásticos. Em reportagem assinada pelo jornalista André Fernandes, no jornal O Imparcial, a pintora naif Dila deu o tom da revolta: “Não posso acreditar num governo que fecha as portas para a cultura, principalmente em São Luís, que tem uma gama enorme de artistas. A Caixa é o baú do Brasil, não pode deixar de incentivar as artes”.  

 

O espaço ocupado pelo Conjunto Cultural da Caixa encontra-se ocioso desde então. O banco encerrou suas atividades no Edifício Solar São Luís há cerca de sete anos. O prédio, construído ainda no século XVIII, permanece fechado.